// La musique baroque

Le baroque couvre l’histoire de la musique européenne sur une période qui s’étend de1600 à 1750 environ.

Il succède à la renaissance et précède la période classique.

Le mot baroque viendrait du portugais barroco qui désigne des perles de forme irrégulière. Le terme initialement a été utilisé de façon péjorative pour désigner l’architecture issue de la contre-réforme en Italie. Il a ensuite qualifié la musique qui lui été contemporaine.

La connotation péjorative a disparu.

On divise généralement cette période en trois phases de 50 ans chacune :

Schématiquement, le baroque débute avec Claudio Monteverdi et se termine avec Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel.

Auparavant, les instruments se contentaient d’accompagner ou de compléter une polyphonie essentiellement vocale.

Désormais, la musique instrumentale s’émancipe et crée ses propres structures.

Cette période est riche à tous points de vue pour la musique ; on pose les bases de l’harmonie classique, on invente de nouveaux instruments et on codifie les techniques d’exécution.

Les deux principaux pôles sont l’Italie et la France dont les styles sont très opposés. Si le style italien s’est largement répandu en Europe, la France est le pays qui résista le plus à l’expansion italienne, grâce notamment à un italien naturalisé français, Jean-Baptiste Lully!

La musique baroque se caractérise par des formes légères empruntes de dynamisme ; c’est une musique qui "s’envole".

Le baroque est l’art du mouvement, de l’abondance et également du contraste. Il inclut un goût de l’ornementation et de la virtuosité.

C’est à cette époque que naît en Italie l’opéra. Dans cette même période, les formes instrumentales évoluent pour aboutirent à la sonate classique et au concerto avec soliste, grâce notamment à Corelli, Torelli et Vivaldi.

De nombreux compositeurs et leurs œuvres ont subit une longue éclipse, à l’exemple de Jean-Sébastien Bach qui a connu l’oubli, de sa mort à 1829, date où Félix Mendelssohn fait connaître La Passion selon saint Mathieu.

Depuis quelques dizaines d’années, de nombreux chefs d’orchestre et interprètes ont exhumé les grandes œuvres de l’époque baroque, certains tentant de retrouver au concert les sonorités d’origine avec les instruments d’époque.

// Antonio VIVALDI

Antonio Lucio Vivaldi, né à Venise le 4 mars 1678, est l’un des principaux compositeurs de la période baroque.

Fils d’un père barbier et violoniste à la chapelle ducale de saint Marc, Antonio Vivaldi devient lui-même violoniste. A 15 ans, il reçoit la tonsure et devient prêtre à 25. Surnommé le Prêtre roux en raison de sa chevelure, il se fait vite dispenser de ses devoirs ecclésiastiques en évoquant un asthme chronique.

Il peut ainsi se consacrer entièrement à la composition et à l’enseignement.

Vivaldi est nommé conseiller musical de l’Ospedale della Pieta, hospice recueillant les jeunes filles orphelines ou abandonnées. Cet établissement, comme d’autres similaires à Venise, offrait un enseignement musical de très haut niveau et possédait un orchestre réputé dans toute l’Europe.

Sa charge ne l’empêche pas, en tant que virtuose et compositeur, de voyager dans de nombreux pays.

Malgré une santé en principe fragile, Vivaldi déborde d’activités ; il organise des spectacles dans Venise ; il compose sans cesse dans tous les genres, concertos, sonates, symphonies, opéras et musique religieuse.

De toute l’histoire de la musique, Antonio Vivaldi est sans aucun doute le compositeur ayant acquis la plus grande renommée de son vivant. Les rois voulaient le rencontrer lors de leur visite à Venise. Jean-Sébastien Bach, admiratif, a copié et transcrit plusieurs œuvres du compositeur vénitien.

Les dernières années de sa vie restent obscures. Fidèle à Venise toute sa vie, il part précipitamment pour Vienne en 1740 où il mourra dans la solitude et la misère un an plus tard.

La musique de Vivaldi est à son image, vive, exubérante, brillante et jubilatoire. Il est le premier à se soucier de la spécificité mélodique de chaque instrument, de sa place dans l’œuvre et dans l’espace ; il peut être ainsi considéré comme le pionnier de l’orchestration.

Antonio Vivaldi a fait preuve d’une extraordinaire fécondité.

Il a écrit plus de 500 concertos, 73 sonates, des symphonies, de la musique de chambre, des oratorios. On a trouvé la trace de 95 opéras, soit près de 800 oeuvres.

Après un oubli de près de deux siècles, une thèse en Sorbonne de 1923 fait redécouvrir l’œuvre de Vivaldi.

// Les Quatres Saisons

L’œuvre la plus célèbre de Vivaldi et la plus jouée dans le monde.

Les quatre saisons sont les quatre premiers concertos d’un recueil qui en comporte douze et intitulé Le combat de l’harmonie et de l’invention et constituant l’opus 8. Publiés en 1725 à Amsterdam, il est probable que les quatre saisons ont été jouées avec succès dès 1723.

Les quatre saisons sont l’exemple symbolique de la forme moderne du concerto où les solistes sont remplacés par un seul instrument, le violon en l’occurrence.

Chaque concerto, illustrant une saison, était accompagné d’un sonnet composé semble t-il par Vivaldi lui-même.

Elevé dans une famille de musiciens, Rieck apprend très vite le métier d’organiste. En 1752, trois jours après le décès de son père, il lui succède à la tribune de saint Thomas.

Ernst Rieck reprend également les activités musicales de son père, à savoir l’animation musicale du lieu. Parallèlement, il enseigne le clavier aux étudiants de l’université.

En 1681, il quitte ses fonctions à l’église saint Thomas et termine sa vie à Eckbolsheim où il meurt le 21 décembre 1704.

// Les suites de danses

Elles ont partie d’un recueil publié en 1658 qui s’intitule Neue Allemanden, Giques, Balletten, Sarabanden und Cavotten.

Le style de Ernst Rieck s’inspire à la fois du goût de la danse française et de l’écriture ornementée italienne.

Cette musique née à Strasbourg, trait d’union entre la France et l’Italie, pourrait être considérée comme l’émergence d’un style européen ; celui d’une musique de divertissement qui sera adopté par toutes les cours d’Europe.